El pasado 25 de octubre AMMDE celebró, en colaboración con la FUNDACIÓN TEJERINA, el taller “La construcción del artista y el valor de arte”. Nuestra socia Julieta de Haro fue la encargada de esta magnífica charla en la que salieron a relucir aspectos que pocas veces se tienen en consideración, como la fiscalidad de los profesionales del arte, o los múltiples escenarios en los que los artistas deben interactuar para obtener visibilidad y un nombre propio en la complicada escena actual.

Experta en arte contemporáneo, Julieta de Haro ha comisariado importantes exposiciones de artistas como Daniel Canogar o Javier de Juan. Tiene amplia experiencia en gestión de políticas culturales y  su carrera profesional  está ligada a instituciones referentes como PHotoEspaña, el Círculo de Bellas Artes o la Asociación de Artistas Visuales de Madrid.

El Doctor Bandrés presentó a Julieta con una reflexión personal: en estos tiempos tan tecnificados, es bueno pararse y pensar, retomar la visión del arte como un espacio íntimo de comunicación con nosotros mismos. Y quién mejor para invitarnos a ello que Julieta de Haro, que vive de una forma tan apasionada el compromiso con el arte y la cultura.

Tras estas inspiradoras palabras, Julieta comenzó su charla hablándonos del original proyecto en el que está centrada desde hace unos años, ‘El Tercero de Velázquez’, un espacio privado de intervención de proyectos artísticos comisariados. Con su bagaje como gestora cultural y comisaria, quería tener una experiencia más individual y personal, fuera de las instituciones. Para ello localizó una ubicación idónea en un edificio de la época del Marqués de Salamanca. Dentro de ese entorno ha creado un espacio para que un artista lo intervenga durante 3 meses, organizando encuentros para un público muy heterogéneo, desde directores de museos o instituciones culturales, a empresarios o políticos. Con ello busca dotar a la obra de una contemporaneidad y generar diálogo y un espacio de debate en torno al arte expuesto. Por el ‘El Tercero de Velázquez’ han pasado hasta el momento artistas como Ouka Leele, con su proyecto “El bárbaro mundo de Ouka Lele”, Javier de Juan con “Gravedad Cero” (que expresa la necesidad de evadirse para encontrarse a uno mismo), Emilio Gil con “Summer Letters”, Pedro Castortega con “Poéticas visuales”, Rosa Muñoz con “Sin mirar atrás”, o Ángel Haro con “Un mundo sin repuesto”.

Un momento decisivo para el arte es el inicio de la Edad Moderna, con el Renacimiento, cuando los artistas volvieron la vista al pasado, al mundo grecorromano, y se vuelve a una visión antropocéntrica. Estamos en los inicios de la burguesía, que empieza a comprar arte, cuando anteriormente sólo era la nobleza y el clero quien lo encargaba. El artista empieza a firmas sus obras y a ganar una posición social, al nivel de los filósofos; deja de ser un artesano del oficio para convertirse en “artista” tal y como entendemos hoy en día el concepto.

Se empieza a buscar en el arte la forma, la armonía, la perfección, la belleza… Con la burguesía nace el mercado, y el artista se libera, al igual que el proceso que se está viviendo en la misma sociedad, donde el hombre vuelve a ser el centro, después de siglos donde el foco estaba puesto en Dios y la religión. La lógica evolución es que los compradores de arte, los comerciantes, empiezan a imponer tendencias, y con el paso de los siglos los propios artistas se rebelan contra la burguesía. Hasta que llega el momento del rechazo al academicismo, la eclosión de las vanguardias y el nacimiento de un lenguaje propio y más personal.

Actualmente, la gran característica del arte contemporáneo es su total dependencia de las instituciones: el valor, o la existencia misma de la obra, va a depender se si se expone o no. Uno de los grandes hitos del arte actualmente es la famosa obra “La Fuente” (1917) de Marcel Duchamp, que en su día generó una gran controversia intelectual. Pasados los años se expuso en un museo de Nueva York, y eso fue lo que convirtió a esta obra en arte. Precisamente el gran reto hoy en día es la “validación” de la obra, que se produce una vez que ésta se expone.

La pluralidad de lenguajes que dimanan del arte viene ejemplificada por Andy Wharhol y el pop art, en pleno auge de la sociedad de consumo y la cultura de masas. Estas producciones tienen una gran carga simbólica, y su validación como arte procede de su aceptación por las instituciones. Siempre hay que tener en cuenta que el artista  decodifica la realidad, y la vuelve a sacar con un código propio y nuevo.

En cuanto a la vida económica de los artistas, cabe señalar que no hay un epígrafe en el IAE específicamente para “artista”. Los regímenes fiscales de autónomos, en otros países como Francia, se hacen a 3  ó 5 años, porque se considera que en el primer año el artista crea, en el segundo se da a conocer y en el tercero, empieza a vender. Pero eso en España no se contempla así, por lo que el creador está en cierto modo más desamparado. En cuanto a la jubilación (y un ejemplo sangrante es el de Forges), si un artista está jubilado y vende obra, le quitan la jubilación.

Otros datos a destacar son que la Ley de Mecenazgo no está desarrollada, que tres cuartas partes de los artistas no disponen de una espacio donde desarrollar su actividad laboral, que el 73% compatibiliza su actividad artística con otra profesión, y que más del 80% de los artistas no viven de su trabajo.

Además, en España no hay incentivos fiscales para las empresas a la hora de comprar arte. Este es un aspecto muy importante, porque precisamente fueron los incentivos fiscales en la adquisición de arte en los años 60 en Nueva York, lo que convirtió a esta ciudad en el epicentro mundial: se empezó a vender mucho y todos los marchantes, galeristas, coleccionistas, etcétera, se fueron allí. Lo que lleva años pasando en Berlín, que ahora mismo es el gran motor del arte, es el fenómeno inmobiliario del centro de la ciudad: hay muchos edificios en mal estado, con rentas muy bajas, y muchos creadores han elegido estos espacios para intervenirlos y convertirlos en centros de gran efervescencia cultural.

En definitiva, como conclusión a esta charla, nos que quedamos con las respuestas a algunas preguntas esenciales:

¿Qué genera un artista?

• Preguntas y respuestas
• Nuevas lecturas e interpretaciones
• Cohesión social
• Imagen
• Riqueza
• Ocio
• Objetos
• Identidad
• Infraestructuras
• Empresas afines
• Innovación
• Pensamiento/Conocimiento
• Profesiones afines

¿Cuál es el valor del arte?

• El arte es parte indisociable del hombre
• No es una necesidad vital (aunque puede acabar siéndolo) pero sí intelectual
• Nos conecta con nuestra parte más abstracta
• Es una aventura con infinidad de matices
• En el valor tangible, unas veces gana el mercado y otras el arte
• Es un valor de inversión

¿Todo lo que se expone es arte? SÍ

¿El arte es siempre bello o busca la belleza? NO